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Invitación Canva Pro

 INVITACIÓN CANVA PRO

Fotografía de paisaje 24-04-25

EN CASA REALIZA LA SIGUIENTE LECTURA, Y RESUME EN TU CUADERNO. 

La magia de la fotografía de paisaje

La fotografía de paisaje es mucho más que capturar un lugar; es una invitación a explorar la conexión entre el ser humano y la naturaleza. A través de sus imágenes, los fotógrafos tienen la oportunidad de transmitir emociones y contar historias que trascienden las palabras. En este texto, profundizaremos en la historia, las técnicas, la luz, el color y los aspectos artísticos que hacen que esta disciplina sea tan fascinante.

Historia y evolución de la fotografía de paisaje

La fotografía de paisaje tiene sus raíces en los primeros días de la fotografía, cuando se buscaba documentar la majestuosidad del mundo natural. En el siglo XIX, los daguerrotipos ofrecían una forma rudimentaria de capturar paisajes, y fotógrafos pioneros como Ansel Adams revolucionaron el arte con su enfoque en la composición y el contraste. La llegada de la fotografía digital democratizó el acceso a equipos avanzados, permitiendo a más personas explorar y capturar paisajes con precisión técnica y creatividad ilimitada.

Aspectos técnicos clave

Para lograr una imagen impactante, es crucial dominar ciertos aspectos técnicos. Primero, elegir el equipo adecuado: las cámaras DSLR o mirrorless son ideales por su versatilidad, y los lentes gran angular ofrecen una perspectiva amplia para paisajes impresionantes. Además, es importante configurar correctamente la cámara: una apertura pequeña (como f/11 o f/16) para mayor profundidad de campo, velocidades de obturación adaptadas a la iluminación, y un ISO bajo para minimizar el ruido.

El uso de trípodes es esencial para garantizar estabilidad, especialmente en exposiciones largas. Los filtros, como los polarizadores, ayudan a reducir reflejos y mejorar el contraste, mientras que los filtros ND permiten jugar con efectos creativos como el desenfoque del agua.

Importancia de la luz y el momento decisivo

La luz es el alma de la fotografía de paisaje. Las mejores oportunidades suelen encontrarse durante la “hora dorada”, justo después del amanecer o antes del atardecer, cuando la luz es cálida y suave. Por otro lado, la “hora azul”, ese momento justo antes del amanecer o después del atardecer, ofrece tonos fríos y atmosféricos perfectos para paisajes melancólicos.

Planificar con anticipación es clave. Herramientas como aplicaciones de predicción solar y mapas topográficos pueden ayudar a identificar el mejor momento y lugar para capturar una escena. Trabajar con condiciones desafiantes, como luz dura del mediodía, puede requerir creatividad en la composición o uso de sombras naturales.

El color y su impacto psicológico

El color en la fotografía de paisaje no solo es un componente visual, sino también psicológico. Los tonos cálidos, como rojos y naranjas, suelen transmitir emociones de alegría y energía, mientras que los tonos fríos, como azules y verdes, evocan calma y serenidad. Conocer la diferencia entre RGB y CMYK es esencial al editar o imprimir fotografías para preservar la fidelidad de los colores originales.

Además, comprender cómo el color puede guiar la mirada del espectador es clave. Por ejemplo, un paisaje con contrastes entre sombras profundas y cielos vibrantes puede crear una composición visualmente atractiva.

Capturando la esencia del paisaje

Más allá de la técnica, el verdadero desafío es capturar la esencia única de un paisaje. Esto implica encontrar una historia en cada escena: ¿qué emociones o ideas transmite el lugar? La composición juega un papel central aquí. Líneas guía, patrones naturales y encuadres creativos pueden transformar una simple vista en una obra de arte.

Es fundamental también practicar la ética del respeto por el medio ambiente. Evitar alterar la naturaleza en busca de la “foto perfecta” asegura que podamos preservar los paisajes para generaciones futuras.

La fotografía de paisaje es una puerta abierta hacia la exploración de la belleza del mundo. Nos invita a observar, comprender y apreciar la naturaleza de una manera profunda y significativa. A través de su técnica y su arte, los fotógrafos de paisaje nos recuerdan que la magia está al alcance de nuestra mirada, esperando ser descubierta.

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Trabajo SENA 22-4-25

En casa debes ver el video que se encuentra en el enlace y realizar la lectura para contestar las preguntas que se encuentran al final. En clase se realizará un control de lectura. 

Video Pop Art: Pop Art

Historia, Evolución e Influencia del Pop Art

Orígenes del Pop Art

El Pop Art nació en la década de 1950 como una reacción contra el expresionismo abstracto, un movimiento artístico que predominaba en aquel entonces y que se caracterizaba por su subjetividad y enfoque en la expresión emocional del artista. Mientras el expresionismo abstracto era más introspectivo y elitista, el Pop Art se centró en temas accesibles y universales, inspirados en la cultura popular y el consumo masivo.

El término "Pop Art" se utilizó por primera vez en el Reino Unido a mediados de los años 50 por críticos como Lawrence Alloway, quien describió este nuevo estilo emergente de arte basado en la publicidad, los cómics y los productos comerciales. En ese momento, artistas británicos como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi comenzaban a incorporar elementos de la cultura de masas en sus obras, cuestionando los límites entre el arte "serio" y el arte comercial.

A medida que el movimiento ganó popularidad, cruzó el Atlántico y se consolidó en Estados Unidos, donde alcanzó su máxima expresión con artistas que redefinieron los conceptos tradicionales de arte. Los estadounidenses no solo adoptaron el Pop Art, sino que lo elevaron a nuevas alturas, gracias a la potencia de los medios de comunicación y el auge del consumismo en la sociedad norteamericana.

Los Grandes Representantes del Pop Art

Entre los artistas más influyentes del Pop Art se encuentran:

Andy Warhol

Warhol es probablemente el artista más famoso del Pop Art. Sus obras, como las imágenes de Marilyn Monroe, las latas de sopa Campbell y las botellas de Coca-Cola, se convirtieron en íconos del movimiento. A través de la técnica de serigrafía, Warhol producía imágenes repetitivas de figuras populares, reflejando la producción en masa y el consumo obsesivo de la cultura contemporánea. Su filosofía artística estaba basada en la idea de que "el arte es lo que se vende", lo que le permitió explorar la relación entre celebridad, arte y mercado.

Roy Lichtenstein

Lichtenstein adoptó un enfoque diferente, basado en el estilo de los cómics. Su característico uso de los puntos Ben-Day, inspirados en los métodos de impresión gráfica, le permitió crear imágenes vibrantes y llamativas que simulaban viñetas de historietas. Obras como Whaam! y Drowning Girl son ejemplos de cómo transformó el arte comercial en expresiones artísticas reconocidas en museos.

Richard Hamilton

Hamilton fue uno de los pioneros del Pop Art británico. Su collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (1956) es considerado una de las primeras obras del movimiento. A través del uso de imágenes recortadas de revistas y anuncios publicitarios, Hamilton exploró el impacto de la tecnología y el consumismo en la vida moderna.

Elementos Característicos del Pop Art

El Pop Art se define por una serie de características distintivas, que incluyen:

• Colores vibrantes y llamativos: Uso de tonos primarios y neón que capturan la atención.
• Iconografía popular: Imágenes de celebridades, productos comerciales y personajes ficticios.
• Técnicas industriales: Repetición de imágenes y uso de serigrafía para imitar la producción en masa.
• Influencia de los medios de comunicación: Inspiración en anuncios, televisión y cómics.
• Ironía y crítica social: Aunque celebraba la cultura popular, también cuestionaba el impacto del consumismo.

Influencia del Pop Art en el Arte y la Cultura

El impacto del Pop Art no se limitó a las artes visuales. Su estética influyó en la moda, el diseño gráfico, la publicidad e incluso la música. La idea de que elementos cotidianos podían ser elevados a la categoría de arte ayudó a democratizar la creatividad, permitiendo que artistas contemporáneos exploraran nuevas formas de expresión.

Uno de los mayores legados del Pop Art es su influencia en el arte digital y la cultura visual moderna. En la actualidad, la repetición de imágenes, el uso de colores vibrantes y la apropiación de elementos de la cultura pop siguen siendo comunes en el diseño gráfico y el arte urbano.

Además, el Pop Art abrió el camino para otros movimientos como el Neo-Pop y el Arte Postmoderno, donde artistas como Jeff Koons y Takashi Murakami han reinterpretado sus principios con una estética contemporánea.

Conclusión

El Pop Art revolucionó la forma en que el arte es percibido. Al desafiar los límites entre arte comercial y arte tradicional, dejó un impacto duradero en la manera en que los artistas crean y presentan su trabajo. Hoy en día, su legado sigue presente en la publicidad, la moda y el diseño, demostrando que la cultura popular es una fuente inagotable de creatividad.

Cuestionario 

Contesta en tu cuaderno las 15 preguntas sobre el texto  de la historia y la influencia del Pop Art:

1. ¿En qué década surgió el Pop Art y en qué países tuvo mayor impacto inicial?
2. ¿Qué tipo de imágenes y elementos utilizaban los artistas del Pop Art en sus obras?
3. ¿Cómo reaccionó el Pop Art frente al arte abstracto y expresionista de su época?
4. ¿Cuáles son algunos de los artistas más influyentes del Pop Art y qué características tienen sus obras?
5. ¿Por qué Andy Warhol utilizaba objetos cotidianos, como latas de sopa Campbell, en su arte?
6. ¿De qué manera Roy Lichtenstein se inspiró en los cómics para desarrollar su estilo?
7. ¿Cómo influyó el Pop Art en la moda y el diseño gráfico?
8. ¿Qué impacto tuvo el Pop Art en la publicidad y los medios de comunicación?
9. ¿Por qué se dice que el Pop Art desdibujó la línea entre “alta cultura” y “cultura popular”?
10. ¿Cuáles son las características principales del Pop Art en cuanto al uso del color y la composición?
11. ¿Cómo ha evolucionado el Pop Art en la era digital y en el arte contemporáneo?
12. ¿Qué técnicas utilizaban los artistas del Pop Art para crear sus obras?
13. ¿Cómo influyó la cultura de masas en el desarrollo del Pop Art?
14. ¿Cuál es el legado del Pop Art en la actualidad y en qué ámbitos sigue presente?
15. ¿Qué mensaje buscaban transmitir los artistas del Pop Art con sus obras?

TRABAJO PARA EL 12-4-25

Hoy debes realizar la lectura 'Las imágenes fotográficas en los medios de comunicación' y copiar y contestar en tu cuaderno el cuestionario de 15 preguntas. 

Las imágenes fotográficas en los medios de comunicación

Abstract

La clasificación de las imágenes fotográficas en los medios de comunicación reflejan la diversidad de roles que estas cumplen en nuestra sociedad. Desde informar y educar hasta inspirar y entretener, cada categoría tiene un propósito único que enriquece la experiencia visual del público. En un mundo cada vez más digital, la habilidad de los medios para utilizar estratégicamente estas imágenes seguirá siendo un pilar fundamental de la comunicación.

La importancia de las imágenes fotográficas en los medios de comunicación

Las imágenes fotográficas desempeñan un papel fundamental en los medios de comunicación modernos. Su capacidad para transmitir información, emociones y conceptos de manera inmediata las convierte en herramientas indispensables para conectar con las audiencias. La clasificación de las imágenes fotográficas se basa en sus objetivos, estilos y contextos de uso, lo que permite identificar diversos tipos de imágenes según su función en la comunicación.

1. Fotoperiodismo: Documentar la realidad

El fotoperiodismo es una de las formas más icónicas de fotografía en los medios de comunicación. Se caracteriza por capturar eventos reales con el objetivo de informar al público de manera objetiva y veraz. Este tipo de imágenes suelen encontrarse en periódicos, revistas y sitios web de noticias.

Las fotografías de fotoperiodismo abarcan desde coberturas de conflictos internacionales hasta eventos locales, pasando por desastres naturales y manifestaciones sociales. Su impacto radica en su capacidad para contar historias visuales que generan conciencia y empatía. Por ejemplo, una fotografía tomada en medio de una crisis humanitaria puede movilizar recursos y apoyo internacional para las víctimas.

2. Fotografía artística: La expresión subjetiva

En los medios de comunicación, la fotografía artística se utiliza para transmitir emociones y conceptos de manera subjetiva, priorizando la estética y la creatividad. Estas imágenes no buscan informar, sino provocar reflexiones o conectar emocionalmente con el espectador.

Revistas culturales y exposiciones suelen ser espacios donde predomina este tipo de fotografía. A través del uso de luces, sombras, colores y composiciones únicas, los fotógrafos pueden crear obras que impactan y cautivan. En algunos casos, las imágenes artísticas complementan artículos de opinión o ensayos que exploran temas abstractos o filosóficos.

3. Fotografía publicitaria: Promoción de productos y servicios

La fotografía publicitaria tiene un propósito comercial claro: persuadir a las audiencias para adquirir productos o servicios. Estas imágenes se diseñan cuidadosamente para destacar las cualidades de los productos y generar deseo en los consumidores.

Las campañas publicitarias en revistas, anuncios en redes sociales y comerciales en televisión son ejemplos de espacios donde estas imágenes desempeñan un papel crucial. Los fotógrafos publicitarios trabajan con equipos especializados en iluminación, estilismo y edición digital para crear imágenes que resalten la perfección y la aspiración.

4. Fotografía documental: Testimonio de la sociedad

La fotografía documental busca capturar la realidad de manera objetiva, con un enfoque en la profundidad y el contexto. A menudo se utiliza en investigaciones sociales, proyectos culturales y reportajes especiales.

Este tipo de imágenes suele abordar temas como la desigualdad, la diversidad cultural y el cambio climático. A través de estas fotografías, se invita al espectador a reflexionar sobre los desafíos y las oportunidades que enfrenta la sociedad. Los medios que apuestan por este tipo de contenido suelen enfocarse en el impacto duradero de sus imágenes.

5. Fotografía científica: Imágenes al servicio del conocimiento

En campos como la medicina, la astronomía y la biología, las imágenes científicas desempeñan un papel crucial. Su objetivo es capturar fenómenos técnicos o naturales con fines educativos y de investigación.

En los medios de comunicación, estas imágenes pueden complementar artículos científicos o ilustrar descubrimientos revolucionarios. Por ejemplo, una imagen de microscopía que muestra células en alta resolución puede acompañar un artículo sobre avances en medicina regenerativa.

6. Fotografía de entretenimiento: Celebridades y cultura popular

Las imágenes relacionadas con el entretenimiento incluyen fotografías de películas, música, deportes y figuras públicas. Este tipo de fotografías busca captar la atención del espectador y generar interés en temas de actualidad.

Revistas de espectáculos, sitios web de entretenimiento y perfiles en redes sociales suelen incluir estas imágenes. Desde fotografías de alfombras rojas hasta imágenes detrás de cámaras, este tipo de fotografía es una parte esencial de la cultura popular.

En tu cuaderno escribe y contesta las siguientes preguntas: 

1. ¿Cuál es el impacto del fotoperiodismo en la sociedad ?
2. ¿Qué elementos distinguen la fotografía artística de otras formas de imágenes en los medios de comunicación?
3. ¿Qué técnicas suelen utilizar los fotógrafos publicitarios para destacar las cualidades de un producto?
4. ¿Cómo puede la fotografía documental ayudar a sensibilizar sobre problemas sociales y ambientales?
5. ¿Qué importancia tiene la fotografía científica en el avance del conocimiento y la divulgación educativa?
6. ¿De qué manera las imágenes de entretenimiento influyen en la cultura popular y las tendencias?
7. ¿Cuáles son los desafíos que enfrentan los fotoperiodistas al capturar eventos reales en situaciones complejas?
8. ¿Qué papel juega la edición digital en la creación de fotografías publicitarias atractivas?
9. ¿Cómo pueden las imágenes artísticas complementar artículos de opinión o ensayos culturales?
10. ¿Qué diferencia existe entre la fotografía documental y el fotoperiodismo en términos de enfoque y contexto?
11. ¿Qué tipo de equipos y tecnologías suelen utilizarse en la fotografía científica?
12. ¿Cómo pueden las imágenes de entretenimiento capturar la atención del público en un mundo lleno de estímulos visuales?
13. ¿Qué habilidades se necesitan para lograr fotografías documentales impactantes y auténticas?
14. ¿Cómo pueden los medios de comunicación garantizar el uso ético de las fotografías en sus publicaciones?
15. ¿Qué impacto tienen las imágenes fotográficas en el diseño y estética general de los medios de comunicación?

Equipos de producción 2025

Equipos producción 2025

 Productos SENA 2025

Nombre producto: LA GALERÍA 

Director:  Juanita Zuluaga Arias

Asistente de dirección/Fotografía: Daniel Matías Castrillon 

Producción: Isabella Niño Franco

Iluminación: Maria Jose Loaiza Restrepo 

Sonido: Jeronimo Buritica Quiceno 

Script: Juanita Zuluaga Arias

Cámara: Salome Castaño Rios

Nombre producto: La Última Llamada

Director: Santiago Parra Gómez.

Asistente de dirección/Fotografía: Miguel Ángel Ceballos Osorio.

Producción: Emmanuel Díaz Giraldo.

Iluminación: Carlos Andrés Gaitán Suárez.

Sonido: Samuel Hernández Rendón.

Script: Alejandra Diaz Calderon.

Cámara: Jalit Molina Rivadeneira.

Nombre producto: Historia Argumental Rafael Pombo 

Director: Thomas Duque Duque 

Asistente de dirección/Fotografía: Isabella Jiménez Sánchez 

Producción: Óscar Santiago Romero Cruz

Iluminación: jacobo Aguirre Zapata

Sonido: Maria José Cortes Castaño

Script: Laura Camila Salazar Ramírez 

Cámara: Isabella Jiménez Sánchez 

Nombre producto: “Vandalízales” 

Director: Simón Mejía Aroca 

Editor:Mateo Sánchez Castañeda 

Asistente de dirección/Fotografía: Esteban Arias Montoya 

Producción: Ángela Rodríguez Sanguino 

Iluminación: Juan Esteban Imbachi 

Sonido: Juan Pablo Macías 

Script: Mateo Sánchez Castañeda

Cámara: Simón Mejía aroca

Taller fotográfia de producto